Correa de Arauxo

Siguiendo con el asunto del post anterior y con mi idea de tratar algún tema de Segovia traigo al blog a Francisco Correa de Arauxo y a una Asociación cultural segoviana que lleva su nombre.

Francisco Correa de Arauxo fue uno de los compositores y organistas más importantes de la época de transición entre el Renacimiento y el Barroco.

Nació en Sevilla en 1584; consiguió su primer puesto de organista en la iglesia del Salvador de Sevilla a partir de 1599. En 1608 fue ordenado sacerdote. Largas y difíciles disputas por parte del colegio sacerdotal de allí motivaron a Correa a solicitar otro puesto de organista en diferentes catedrales españolas; en 1640 consiguió mejorar su posición, siendo nombrado organista de la catedral de Segovia, en donde murió en 1654.  

La importancia musical e histórica de Correa se basa en su tratado Facultad Orgánica, editado en 1626 en Alcalá de Henares; contiene 69 tientos (muchos de ellos para medio registro), tabulaturas y arreglos de cantos litúrgicos, pero además una suma de indicaciones para la técnica y la interpretación del órgano que son un manifiesto de la práctica de la música de su tiempo.
No nos ha llegado ninguna otra composición de Correa. En su música se unen el contrapunto y la armonía de la polifonía renacentista con un ritmo vivo y con melismas virtuosos, lo cual es propio de la música española de su tiempo.

La Asociación cultural “Correa de Arauxo, de Amigos del Órgano de Segovia” fue constituida el 16 de junio de 1996 por profesionales y aficionados a la música interesados en la recuperación y el mantenimiento del patrimonio organístico segoviano.
Para conseguir este objetivo, intentan mantener vivo el interés por la música de órgano mediante su divulgación, a través de la organización de conciertos y facilitando el conocimiento de dicho instrumento entre los estudiantes.
Han sido numerosas las actividades que han realizado desde el momento de su constitución.Podeís visitar su web correadearauxo.asociaciones.segovia.es/ en la que además de información hay una interesante galería con los órganos de Segovia y su provincia.

El Órgano

El órgano es un instrumento musical de viento, en el que el sonido se produce por el paso del aire a través de tubos.

Aunque su origen se remonta a la antigua Grecia, su adopción como instrumento litúrgico por parte de la iglesia occidental marca un punto de inflexión en su desarrollo a partir de los siglos X‐XI, comenzando a difundirse en iglesias y catedrales al tiempo que evoluciona y se perfecciona paulatinamente.


El organero es quien construye órganos y los restaura. Es un trabajo muy complejo, pues requiere dominar muchas disciplinas, desde la carpintería hasta el trabajo del metal para fundir y construir los tubos, así como múltiples aspectos mecánicos, físicos y acústicos. Especialmente importante es la armonización, que consiste en pulir el sonido de cada tubo, dándole el tono y timbre adecuados.

  En cuanto al organista, no basta con saber tocar el piano, pues la técnica del órgano es diferente, y además hay que saber tocar con los pies, lo cual requiere mucha coordinación y destreza. Asimismo, hay que conocer y saber combinar adecuadamente los diferentes registros del órgano.
 Los estudios profesionales y superiores de la especialidad de órgano se cursan en el conservatorio.


El repertorio de obras musicales para órgano es uno de los más extensos, abarcando todas las épocas desde la Edad Media (las obras más antiguas que nos han llegado son del s. XIV) hasta nuestros días. En el Renacimiento (s. XVI) destaca la figura del español Antonio de Cabezón.

En el Barroco el órgano tuvo su apogeo y época dorada, tanto en intérpretes como en compositores y organeros.

El principal compositor barroco es sin duda Johann Sebastian Bach, pero hay muchos otros como Frescobaldi, Pachelbel, Couperin , o los españoles Francisco Correa de Arauxo y Juan Cabanilles.

Durante el Clasicismo no encontramos grandes nombres, a excepción de Mozart, para quien el órgano seguía siendo “el rey de los instrumentos”.

En el siglo XIX resurge el órgano con los compositores románticos, entre los que destacan César Franck, Mendelssohn, Brahms, Liszt, y los post‐románticos como Widor, Vierne, o Max Reger.

Y en la música del s. XX nombres como Olivier Messiaen, Jehan Alain, Schoenberg, Hindemit, Ligeti…

Los Castrati

Castrato (del italiano castrato, 'castrado'; castrati en plural) es la denominación que se utiliza para referirse al cantante sometido de niño a una castración para conservar su voz aguda (de soprano, mezzo-soprano o contralto).

 Los niños eran operados entre los 8 y los 12 años -normalmente por un barbero que los drogaba con opio para que sintieran menos el dolor de la incisión- y posteriormente educados en formación musical.

Mediante esta traumática intervención , se conseguía que los niños que ya habían demostrado tener especiales dotes para el canto mantuvieran, de adultos, una tesitura aguda capaz de interpretar voces características de papeles femeninos.
 De este modo se lograba aunar la aguda voz infantil, considerada tierna y emocional, con las cualidades de un intérprete adulto que un niño difícilmente podía igualar: mayor potencia pulmonar, pleno dominio de la voz y la sabiduría propia de la edad.

La castración debida a fines artísticos se remonta al año 400 d.C; en 1589  el papa Sixto V reorganizó el coro de la Basílica de San Pedro específicamente para incluir castrati. Así, los castrati vinieron a suplantar a los niños (cuyas voces se estropeaban después de sólo unos pocos años) y los falsetistas (cuyas voces eran más débiles y menos fiables). Las mujeres fueron prohibidas en el coro por el dictamen del Papa:" mulieres en ecclesiis taceant" ("las mujeres deben  guardar silencio en la iglesia").

Fueron voces muy codiciadas y aplaudidas. Gozaron de gran prominencia hasta el siglo XVIII. Fueron especialmente importantes en la ópera seria y alcanzaron "status" de estrellas internacionales. La combinación de la calidad vocal de un muchacho y los pulmones de un hombre, producían un sonido de extraordinaria belleza, poder y flexibilidad.

En las décadas de 1720 y 1730, en el apogeo de la moda de estas voces, se ha estimado que más de 4.000 niños fueron castrados anualmente al servicio del arte. Muchos provenían de hogares pobres y fueron castrados por sus padres con la esperanza de que su hijo pudiera tener éxito y sacarles de la pobreza.
El fin oficial de los castrati llegó el día de Santa Cecilia (patrona de los músicos) de 1903, cuando el Papa Pío X, prohíbe la práctica de la castración por considerarla "una abominable costumbre contra la naturaleza humana".
El último castrato sixtino fue Alessandro Moreschi, el único castrato en realizar grabaciones en solitario. Se retiró oficialmente en marzo de 1913 y murió en 1922.

Uno de los más famosos castrati fue Carlo Broschi más conocido como Farinelli (1705-1782).

Vivió en España casi 25 años; su voz, empleada por la reina para curar al Rey Felipe V de su depresión melancólica, le ganó gran influencia.

La música amansa a las fieras

Todos hemos escuchado alguna vez la expresión que dice que "la música amansa a las fieras".

El significado de esta frase alude al efecto tranquilizador que ejerce la música y se puede aplicar tanto a animales como a humanos.

Esta expresión tan popular tiene su origen en la leyenda de Orfeo, poeta y músico griego que poseía un canto y una forma de tocar la lira que aplacaba a las fieras más salvajes .

 Era tal la capacidad que tenía que incluso consiguió convencer al dios de los infiernos para que dejara salir al mundo de los vivos a su esposa Perséfone que había muerto.

Os dejo este enlace por si quereis leer el mito de Orfeo

https://saramir28.wordpress.com/2009/09/02/orfeo-y-euridice-un-toque-d-mitologia-griega/

Hoy en día está sobradamente demostrada  la influencia de la música sobre los seres vivos; escuchar música no solo modifica nuestro estado de ánimo, sino que puede tener una influencia muy positiva en el desarrollo cognitivo humano, en el estímulo de nuestra inteligencia e incluso en la salud.
 Lo que está claro y lo sabemos por propia experiencia es que la música alegra, calma, relaja y nos hace mas felices.

 Música en el campanario

Hoy en día, sobre todo si vivimos en grandes ciudades, escuchamos poco el tañido de las campanas, pero hubo otras épocas y lugares en que su sonido marcaba las rutinas de la comunidad y avisaba de acontecimientos diversos a través de un toque determinado.

La campana es un  instrumento que se percute para hacerla sonar; constituyen un subgrupo de los instrumentos de percusión, que agrupa distintos ejemplares con algunas características comunes, como el ser de metal y tener un volumen tridimensional. En esta categoría encontramos varios instrumentos habituales de la orquesta, como las campanas tubulares, los cencerros y los crótalos, y otros especiales, como las campanas propiamente dichas y los juegos de campanas (o carillones, que se accionan mecánicamente a través de un teclado). Los gongs también son campanas.

 Las campanas se distinguen por su sonido característico, producto generalmente de la percusión de un péndulo de hierro, llamado badajo, sobre las paredes internas de la propia campana. 
Tradicionalmente han sido fabricadas de bronce, aunque también existen campanas hechas de hierro e incluso de oro.

1) Yugo o contrapeso
2) Asa
3) Hombro
4) Tercio
5) Medio
6) Pie
7) Labio 8) Borde
9) Badajo
10) Medio pie

El sonido de la campana es una sumatoria de frecuencias que suenan en consonancia con una tonalidad central. Su amplio espectro de armónicos cambia según la forma tridimensional exacta y según los elementos utilizados en su fundición.

Algunas curiosidades:

En latín la campana era llamada “tintinnabulum”, haciendo referencia a su sonido.

Campanología es el conjunto de todas las disciplinas relacionadas con el estudio sistemático y científico de las campanas desde todos los puntos de vista (musical, sonoro, artístico, cultural, religioso).

Las campanas suelen llevar en la superficie externa algunas inscripciones en relieve hechas en la fundición y al bendecirlas se les da un nombre, que a veces se inscribe en la misma pieza.

La campana "Wamba" suena desde el siglo XIII en Oviedo. Es la campana más antigua de España en uso. Fundida en 1219, la Wamba pesa 833 kilogramos.

En la torre de la catedral de Segovia hay 10 campanas; "María de la Paz" es la más pesada de todas (1.384 kilos y 140 centímetros de diámetro). Tiene una inscripción que dice "María de la Paz me llamo / cinco quintales peso / si no me quieres creer / cógeme a peso / bájame al Azoguejo / y me dejas en mi puesto". Data de 1736.

 Iconografía Musical en la Catedral de Segovia

Este es el título de un interesante libro publicado en 2016; el autor es Pablo Zamarrón, músico y musicólogo segoviano, que ha dedicado mas de 10 años a elaborar este estudio.

Según el autor, el objeto de este trabajo es profundizar en el conocimiento del papel de la música dentro del espacio de la catedral de Segovia a través de la iconografía musical, como complemento de la música escrita y de los instrumentos reales que se conservan.

Para ello ha localizado todas las obras artísticas en las que existen representaciones de música y danza en cualquier tipo de soporte, como pinturas, esculturas, vidrieras, relieves, ropa, tapices, cantorales, incunables, veletas; se ha fotografiado la obra y el detalle que contiene la escena musical, el instrumento,  la música vocal o la escena de danza en particular y ha realizado un análisis iconográfico de cada una de las piezas.

El resultado es una gran cantidad de imágenes que nos ayudan a entender la música y su práctica en otras épocas, los gustos, las modas, instrumentos que no han sobrevivido, agrupaciones instrumentales, etc.










Os animo a prestar atención la próxima vez que visitéis la catedral de Segovia; se puede "ver" música en muchos sitios. Ya nos lo anuncian las dos veletas del tejado, que son ángeles tocando la trompeta. 

Cantigas de Santa María

Hay cuatro manuscritos de las Cantigas de Santa María: una en la Biblioteca Nacional de España que antes perteneció a la Biblioteca Capitular de Toledo, dos copias en El Escorial y una en Florencia, similar a la toledana, pero lamentablemente con algo del contenido perdido.
Fueron escritas durante el reinado de Alfonso X, rey de Castilla y León (también conocido como Alfonso el Sabio).
Las cantigas, son una colección de canciones monódicas, en lenguaje gallego y notación mensural, en honor de la Virgen María. Las canciones, que por lo general se cantaban en las festividades de la Iglesia, proclaman las virtudes de la Virgen y relatan los milagros. Las narraciones se basan en hechos relacionados con Alfonso el Sabio y su familia, así como en leyendas y anécdotas locales.
El sabor popular, la sencillez y el expresionismo son las características fundamentales de las canciones.
 Los últimos estudios han demostrado que el manuscrito de la Biblioteca Nacional es una copia de la versión de Toledo que se realizó a fines del siglo XIII o comienzos del XIV. La notación se ha modernizado y representa un estadio más avanzado de la notación musical, que produjeron copistas más hábiles que en el sistema usado en los códices de El Escorial. El manuscrito tiene 122 cantigas, sin miniaturas.

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